Local Gestures
because the personal is cultural
Une femme et un homme. Leurs corps bougent en synchronisation avec une bande truffée d’effets sonores. La technologie est alors introduite dans le corps organique. La bande sonore devient défectueuse. Le corps devient défectueux. C’est très drôle. On fige. Musique planante qui permet de passer au tableau suivant. Leurs corps bougent en synchronisation avec une bande truffée d’effets sonores. La technologie est alors introduite dans le corps organique. La bande sonore devient défectueuse. Le corps devient défectueux. C’est drôle. On fige. Musique planante qui permet de passer au tableau suivant. Leurs corps bougent en synchronisation avec une bande truffée d’effets sonores. La technologie est alors introduite dans le corps organique. La bande sonore devient défectueuse. Le corps devient défectueux. C’est plutôt drôle. On fige. Musique planante qui permet de passer au tableau suivant. Son corps bouge en synchronisation avec une bande truffée d’effets sonores. La technologie est alors introduite dans le corps organique. La bande sonore devient défectueuse. Le corps devient défectueux. C’est quand même drôle. On fige. Musique planante qui permet de passer au tableau suivant. Leurs corps bougent en synchronisation avec une bande truffée d’effets sonores. La technologie est alors introduite dans le corps organique. La bande sonore devient défectueuse. Le corps devient défectueux. C’est bien. On fige. Musique planante qui permet de passer au tableau suivant. Entre leurs corps, ils positionnent une douzaine de baguettes. Mais pendant combien de temps pourront-elles tenir? La tension monte alors que les baguettes tombent une à une. On fige. Musique planante qui permet de passer au tableau suivant. Leurs corps bougent en synchronisation avec une bande truffée d’effets sonores. La technologie est alors introduite dans le corps organique. La bande sonore devient défectueuse. Le corps devient défectueux. C’est correct. On fige. Musique planante qui permet de passer au tableau suivant. Leurs corps bougent en synchronisation avec une bande truffée d’effets sonores. La technologie est alors introduite dans le corps organique. La bande sonore devient défectueuse. Le corps devient défectueux. Ça se passe. On fige. Musique planante qui permet de passer au tableau suivant. Son corps bouge en synchronisation avec une bande truffée d’effets sonores. La technologie est alors introduite dans le corps organique. La bande sonore devient défectueuse. Le corps devient défectueux. Ça l’arrive. On fige. Musique planante qui permet de passer au tableau suivant. Leurs corps bougent en synchronisation avec une bande truffée d’effets sonores. La technologie est alors introduite dans le corps organique. La bande sonore devient défectueuse. Le corps devient défectueux. C’est ça. On fige. Musique planante qui permet de passer au tableau suivant. Leurs corps bougent en synchronisation avec une bande truffée d’effets sonores. La technologie est alors introduite dans le corps organique. La bande sonore devient défectueuse. Le corps devient défectueux. Hmm. On fige. Musique planante qui permet de passer au tableau suivant. Leurs corps bougent en synchronisation avec une bande truffée d’effets sonores. La technologie est alors introduite dans le corps organique. La bande sonore devient défectueuse. Le corps devient défectueux. Ça dure soixante-dix minutes et on dirait que ça dure soixante-dix minutes. On fige. Ça finit. NOTE : Je me suis peut-être trompé quant à l'ordre des tableaux. 8-10 octobre à 20h Usine C www.usine-c.com 514.521.4493 Billets : 30$
0 Comments
Salves, Maguy Marin (Danse Danse) Septembre 26-28 Because last time Marin was in town, it was back in 2007 with Umwelt, which still holds as one of the best shows performed in Montreal this past decade. Prismes, Benoît Lachambre (L’Agora de la danse) October 16-19 Because Lachambre made quite the comeback last year with Snakeskins, his best show in years. Henri Michaux: Mouvements + Gymnopédies, Marie Chouinard (Danse Danse) October 31-November 2 Because Chouinard’s last show, LE NOMBRE D’OR (LIVE), is the one that has had the biggest impact on me since performer Carole Prieur first translated Henri Michaux’s drawings into dance back in 2005. We can only imagine what it will be like when all the dancers of the company will follow in her footsteps. Cuire Le Pain De Nos Corps, Sarah Dell’ava (Tangente) November 21-24 Because Dell’ava is probably the most intelligent mover in Montreal. LA VALEUR DES CHOSES, Jacques Poulin-Denis (Lachapelle) January 21-25 Because Poulin-Denis manages to expose the absurdity of human life while remaining funny and touching. The Nutcracker, Maria Kefirova (Tangente) January 30-February 2 Because Kefirova is one of the few choreographers in Montreal who knows how to deal with video in live performance. The adaptation project, Michael Trent (L’Agora de la danse) February 12-14 Because the last time Trent was in Montreal, he surprised everyone by being as conceptual as he was playful. Reviens Vers Moi Le Ventre En Premier, Annie Gagnon (Tangente) February 27-March 2 Because she’s one of the few choreographers in Montreal who’s not afraid to be serious. Mayday remix, Mélanie Demers (Usine C) March 12-14 Because, with just a few works, Demers has managed to establish herself as one of the most consistently good dancemakers in Montreal and it will be a treat to see her revisit her past works before moving on to the next artistic stage in her career. Mange-Moi, Andréane Leclerc (Tangente) March 20-23 Because Leclerc’s contortionism isn’t just a circus trick; it’s a philosophy that allows her to approach and explore space differently. http://dansedanse.ca/DDA_1314/en/ http://www.agoradanse.com/en http://tangente.qc.ca/ http://lachapelle.org/ http://www.usine-c.com/ The beam of light from a projector appears in front of the viewer instead of just behind. The screen becomes a mirror, reminding the viewer: this is not reality; it’s just a movie. The projector lights up the title, Inland Empire, by David Lynch. At the beginning of Mélanie Demers’s Goodbye, dancer Jacques Poulin-Denis opens with a typical Demers move, a series of statements paradoxical in their juxtaposition: “This is not the show,” he tells us. “Not a flat screen, not reality.” The question that always emerges with Demers is: then what is it? One should never readily believe what the performers are saying. Of course, when Poulin-Denis is claiming, “This is not the show,” he is reminding us of the opposite: this is a show. But does it even matter one way or another? Extreme close-up of a needle on a vinyl record. To say that it’s just music is to undermine the kind of emotional manipulation that art is involved in. Even the electric guitar riffs in Goodbye are reminiscent of Lynch, most particularly Angelo Badalamenti’s score for the Twin Peaks series. That’s not to mention the floor, a black-and-white checkerboard of inhuman proportions that dramatizes the space and makes the dancers look trivial, like mere chess pieces. The Black Lodge. A woman watches television, though on it there is nothing but static. Soon, however, the TV image gives way to animated rabbits in their apartment. It could all be in her head. Se faire son cinéma. Do we need to believe that Brianna Lombardo and Poulin-Denis are really a couple to be affected by their dance? Of course not. The moment they interact, the moment they touch, the moment they move together, they enter into a relationship, their actions have consequences. We don’t need to believe that Grace Zabriskie is not Grace Zabriskie. She just needs to walk in, creepy as fuck. If you don’t feel anything, it’s because you’re taking Zabriskie for granted; as real. Suspension of disbelief is a myth. The true power of cinema lies in complete and utter disbelief. Demers is not even trying to pretend. When a performer needs to have tears running down their face, they use eye drops. The microphones they hold are fake, aluminum paper balls on black sticks; the knife, an aluminum paper blade. No one will get hurt. At least not because of objects. No matter how much I hate metaphors, I must recognize that most blades are metaphorical. Artistic ones, always. When Laura Dern gets fake stabbed, she runs down Hollywood Boulevard before falling in front of one of the stars from the Walk of Fame. Lynch will not allow you to believe any of it is real. It doesn’t matter. If you are only affected by things that are real, you’re not human. When Poulin-Denis looks up at the audience while Demers is sucking on his nipple, his reaction is to say, “No, no… It’s not what you think. This is not the show.” The statement is of course hilariously ironic. Demers knows that such a strong image is bound to have an effect on the audience. Would it have any less of an effect if we were to take it in as reality? Of course not. Quite the contrary. Whenever Dern and Justin Theroux have a scene together, we never quite know whether they are the actors they are portraying in the movie or the characters the actors are portraying in the movie in the movie. At one point, Dern screams out, “Damn! This sounds like dialogue from our script!” That’s because, of course, it is. First and foremost, and if nothing else, every movie is about people making a movie. Another typical Demers move: when Poulin-Denis is wiping the water off the floor, he is of course doing so for the dancers’ safety; but, by virtue of being performed onstage, the action is also necessarily dramatic. An everyday gesture becomes an artistic one. “Il y a de l’éclairage, des costumes…” he says, laying out the reasons why we might be inclined to think that this is a show. As if those things didn’t exist outside of the theatre… “Is this our set?” Dern asks. She means in the movie in the movie. However, the set only ends up getting used in the movie. Every space is one location scout away from becoming a set. Later, when Poulin-Denis is the one sucking on Lombardo’s nipple, Chi Long shouts, “This is it! This is the show!” Yet the gesture is essentially the same as before. If anything, the gender reversal and repetition (and therefore lack of surprise) have made it more socially acceptable, less dramatic. It’s always been the show, even before Goodbye ever started. The needle on the record, the music, the emotional manipulation... The viewer cries. She cries because she relates with the character Dern is playing. (What in The Wars Timothy Findley beautifully refers to as “shouts of recognition.”) They encounter each other and kiss in the television. Art as a meeting ground, as the space where artist and audience come into contact, where the line between the artistic and the everyday gets blurred. Goodbye. No, really, goodbye. Poulin-Denis keeps telling the audience the show is over, in so many different ways that it becomes comical, yet the audience doesn’t leave. This is still the show. When does it really end? What are the cues? When the stage lights fade out, when the house lights come on, when the performers take a bow, when we clap, when we leave the theatre, when we finally stop thinking about the show… Some shows never end. And, even when shows do end, what awaits us outside the theatre? More metaphorical blades. Theatre.
usine-c.com maydaydanse.ca My wish for the Montreal dance scene in 2013 is for Marie-Hélène Falcon to quit her job as artistic director of the Festival TransAmériques. I’m hoping she’ll become the director of a theatre so that the most memorable shows will be spread more evenly throughout the year instead of being all bunched up together in a few weeks at the end of spring. With that being said, here are the ten works that still resonated with me as 2012 came to an end. 1. Cesena, Anne Teresa De Keersmaeker + Björn Schmelzer (Festival TransAmériques)
I’ve been thinking about utopias a lot this year. I’ve come to the conclusion that – since one man’s utopia is another’s dystopia – they can only be small in nature: one person or, if one is lucky, maybe two. With Cesena, Belgian choreographer Anne Teresa De Keersmaeker showed me that it could be done with as many as nineteen people, if only for two hours, if only in a space as big as a stage. Dancers and singers all danced and sang, independently of their presupposed roles, and sacrificed the ego’s strive for perfection for something better: the beauty of being in all its humanly imperfect manifestations. They supported each other (even more spiritually than physically) when they needed to and allowed each other the space to be individuals when a soul needed to speak itself. 2. Sideways Rain, Guilherme Botelho (Festival TransAmériques) I often speak of full commitment to one’s artistic ambitions as extrapolated from a clear and precise concept carried out to its own end. Nowhere was this more visible this year than in Botelho’s Sideways Rain, a show for which fourteen dancers (most) always moved from stage left to stage right in a never-ending loop of forward motion. More than a mere exercise, the choreography veered into the metaphorical, highlighting both the perpetual motion and ephemeral nature of human life, without forgetting the trace it inevitably leaves behind, even in that which is most inanimate. More importantly, it left an unusual trace in the body of the audience too, making it hard to even walk after the show. 3. (M)IMOSA: Twenty Looks or Paris Is Burning at the Judson Church (M), Cecilia Bengolea + François Chaignaud + Trajal Harrell + Marlene Monteiro Freitas (Festival TransAmériques) By mixing post-modern dance with queer performance, the four choreographer-dancers of (M)IMOSA offered a show that refreshingly flipped the bird to the usual conventions of the theatre. Instead of demanding silence and attention, they left all the house lights on and would even walk in the aisles during the show, looking for their accessories between or underneath audience members. Swaying between all-eyes-on-me performance and dancing without even really trying, as if they were alone in their bedroom, they showed that sometimes the best way to dramatize the space is by rejecting the sanctity of theatre altogether. 4. Goodbye, Mélanie Demers (Festival TransAmériques) Every time I think about Demers’s Goodbye (and it’s quite often), it’s always in conjunction with David Lynch’s Inland Empire. The two have a different feel, for sure, but they also do something quite similar. In Inland Empire, at times, an actor will perform an emotional scene, and Lynch will then reveal a camera filming them, as if to say, “It’s just a movie.” Similarly, in Goodbye, dancer Jacques Poulin-Denis can very well say, “This is not the show,” it still doesn’t prevent the audience from experiencing affect. Both works show the triviality of the concept of suspension of disbelief, that art does not affect us in spite of its artificiality, but because of it. 5. The Parcel Project, Jody Hegel + Jana Jevtovic (Usine C) One of the most satisfying days of dance I’ve had all year came as a bit of a surprise. Five young choreographers presented the result of their work after but a few weeks of residencies at Usine C. I caught three of the four works, all more invigorating than some of the excessively polished shows that some choreographers spend years on. It showed how much Montreal needs a venue for choreographers to experiment rather than just offer them a window once their work has been anesthetically packaged. The most memorable for me remains Hegel & Jevtovic’s The Parcel Project, which began with a surprisingly dynamic and humorous 20-minute lecture. The second half was an improvised dance performance, set to an arbitrarily selected pop record, which ended when the album was over, 34 minutes later. It was as if John Cage had decided to do dance instead of music. Despite its explanatory opening lecture, The Parcel Project was as hermetic as it was fascinating. 6. Spin, Rebecca Halls (Tangente) Halls took her hoop dancing to such a degree that she exceeded the obsession of the whirling dervish that was included in the same program as her, and carried it out to its inevitable end: exhaustion. 7. Untitled Conscious Project, Andrew Tay (Usine C) Also part of the residencies at Usine C, Tay produced some of his most mature work to date, without ever sacrificing his playfulness. 8. 1001/train/flower/night, Sarah Chase (Agora de la danse) Always, forever, Sarah Chase, the most charming choreographer in Canada, finding the most unlikely links between performers. She manages to make her “I have to take three boats to get to the island where I live in BC” and her “my dance studio is the beach in front of my house” spirit emerge even in the middle of the city. 9. Dark Sea, Dorian Nuskind-Oder + Simon Grenier-Poirier (Wants & Needs Danse/Studio 303) Choreographer Nuskind-Oder and her partner-in-crime Grenier-Poirier always manage to create everyday magic with simple means, orchestrating works that are as lovely as they are visually arresting. 10. Hora, Ohad Naharin (Danse Danse) A modern décor. The legs of classical ballet and the upper body of post-modern dance, synthesized by the athletic bodies of the performers of Batsheva. These clear constraints were able to give a coherent shape to Hora, one of Naharin’s most abstract works to date. Scrooge Moment of the Year Kiss & Cry, Michèle Anne De Mey + Jaco Van Dormael (Usine C) Speaking of excessively polished shows… La Presse, CIBL, Nightlife, Le Devoir, and everyone else seemingly loved Kiss & Cry. Everyone except me. To me, it felt like a block of butter dipped in sugar, deep fried, and served with an excessive dose of table syrup; not so much sweet as nauseating. It proved that there’s no point in having great means if you have nothing great to say. Cinema quickly ruined itself as an art form; now it apparently set out to ruin dance too. And I’m telling you this so that, if Kiss & Cry left you feeling dead on the inside, you’ll know you’re not alone. Qui ne voudrait pas d’une toile d’araignée? Je ne parle pas dans le coin du plafond de sa chambre à coucher, mais bien comme chambre à coucher. Ou sur scène pour une performance. C’est le fantasme scénique que le chorégraphe Benoît Lachambre s’est permis avec Snakeskins, un quasi-solo qu’il présente en première nord-américaine cette semaine à l’Usine C. De minces câbles s’échappent d’une structure métallique en arrière-scène et s’étendent vers le public. À leur point de rencontre l’œil est incapable de lire l’abondance de lignes qui se confondent. Il se doit de voyager constamment vers l’extérieur pour ressaisir la structure dans son ensemble. Lachambre se trouve à ce centre visuellement saturé, suspendu à la structure métallique par des bandes de cuir attachées au cou de son harnais. Ainsi, il peut se pencher vers l’arrière sans jamais tomber. Il flotte donc au-dessus du sol, les pieds ancrés sur un tuyau, ses bras libres de se dandiner. C’est la rencontre du kink et de l’art. Le danseur offre une performance sentie comme très peu d’interprètes peuvent se le permettre (Gillis, Prieur). Peut-être ceux-ci peuvent se permettre ce genre de performance car ils sont convaincants parce que convaincus. Il y a quelque chose à dire pour l’expérience. Le corps de Lachambre en entier semble réagir à la musique live de Hahn Rowe, être secoué par elle. Le musicien réussit même à faire vibrer la salle en agitant à peine une feuille de métal devant un microphone. Avec abandon, Lachambre se lance dans sa toile d’araignée et se trouve rescapé de sa chute. Les fils le supportent, mais sont difficiles à naviguer. Il doit se battre pour demeurer en équilibre alors qu’il escalade leur verticalité. S’en suit une longue respiration (les pièces de Lachambre en sont souvent saupoudrées) où le chorégraphe abandonne sa toile pour s’adonner à la performance en avant-scène. « C’est le temps d’une transition! », il s’exclame, la tête cachée sous un ballon de basket muni d’un micro. Mais c’est bien dans l’exploration de son dispositif scénique que le spectacle trouve sa force. Vers la fin du spectacle, les cordes se relâchent et Lachambre les secouent vigoureusement. Dans la noirceur, des faisceaux de lumière fragmentent les fils en points lumineux dansant. Et, sur les bras, les poils se dressent. 10-12 octobre à 20h Usine C usine-c.com 514.521.4493 Billets : 28$ / 30 ans et moins : 22$ Benoît Lachambre’s Snakeskins: because you can only accuse Lachambre of being so hit-or-miss due to his uncompromising commitment to his artistic pursuits… and he’s due for a hit. (October 10-12, Usine C) Nicolas Cantin’s Grand singe: because nobody else manages to pack as much punch by doing so little. (October 30-November 1, Usine C) Brian Brooks’s Big City & Motor: because Brooks explores concepts that only push his choreography further into the physical world, turning the human body into little more than a machine. (November 22-25, Tangente) Karine Denault’s PLEASURE DOME: because we haven’t seen her work since 2007, when she presented the intimate Not I & Others using only half of the small Tangente space, dancing with humility, as though the line between performer and spectator simply hinged on a matter of perspective. (February 6-9, Agora de la danse) Pieter Ampe & Guilherme Garrido’s Still Standing You: because Ampe & Garrido have created one of the most compelling shows of the past few years, a dense study of masculinity and friendship covered with a thick layer of Jackass trash. (February 12-16, La Chapelle) Sharon Eyal & Gai Bachar’s Corps de Walk: because it’s the first time we get to see a work by Eyal in six years, when she blew us away with a non-stop human parade that was decidedly contemporary in its transnationalism and use of everyday movements like talking on cell phones. (February 28-March 2, Danse Danse) Mélanie Demers’s Goodbye: because, much like David Lynch did with Inland Empire, Demers demonstrated that an artist doesn’t need to instill suspension of disbelief in its audience to work, that dance can be powerful as dance just as film can be powerful as film. (March 20-22, Usine C) Maïgwenn Desbois’s Six pieds sur terre: because Desbois demonstrated that one doesn’t need to sacrifice art in order to make integrated dance. (March 21-24, Tangente) Yaëlle & Noémie Azoulay’s Haute Tension: because Yaëlle Azoulay came up with the most exclamative piece ever presented at the Biennales de Gigue Contemporaine. (March 28-30, Tangente) Dorian Nuskind-Oder’s Pale Water: because with simple means Nuskind-Oder manages to create everyday magic. (May 10-12, Tangente) Une pâle luminosité bleue et verte avec un point noir au centre. Le point s’étire et devient ligne qui se dandine, comme si c’était une image télévisuelle et que les lignes de scan venaient l’entrecouper trente fois par seconde. On pourrait même parler de graphisme, mais en fait c’est une pièce de danse (et peut-être – de façon encore plus importante – de lumière) du Japonais Hiroaki Umeda, Haptic. En parler en termes de danse pourrait toutefois donner une mauvaise impression de son expérience perceptuelle. Mais quand même… Le mouvement d’Hiroaki Umeda est ici très influencé par le hip-hop, plus particulièrement le locking dans son isolation des différentes parties du corps, entremêlé d’une fluidité aquatique appropriée pour la palette de couleurs de l’éclairage. Du hip-hop, on retrouve aussi la précision dans la synchro du mouvement avec le son. Tout ça est toutefois très stationnaire. Ses jambes bougent beaucoup, mais elles ne vont nulle part. Il y a donc une certaine redondance chorégraphique. La danse s’efface aussi pour son deuxième solo, Holistic Strata, dans lequel la vidéo est au premier plan. Les projections tombent sous lui, derrière lui, et l’enveloppent. Il n’est plus qu’une forme humaine dont les traits sont effacés par les images : un ciel de nuit plus étoilé que noir, parfois si rempli d’étoiles qu’il bascule lui aussi dans l’image télévisuelle, la statique. Parfois, ces points blancs bougent si vite qu’elle nous soumet à une illusion d’optique. Hiroaki Umeda semble bouger, mais en fait il est immobile. C’est comme lorsque, couchés sur le dos, nous regardons le ciel. Ce sont les nuages qui bougent, mais par moments, notre cerveau nous ment et les perçoit comme statiques; alors, les buildings deviennent récipients du mouvement et ils semblent tomber sur nous. Ce sont dans ces moments d’excès visuel qu’Hiroaki Umeda est à son meilleur. Chorégraphiquement, c’est mieux quand il en fait le moins possible, quand il devient comme ces buildings immobiles contre lesquels le ciel peut jouer sur notre perception. Car, malgré la danse, Haptic et Holistic Strata ne sont pas des expériences viscérales du corps, mais esthétiques et sensorielles de la perception. Haptic / Holistic Strata 19-21 avril à 20h Usine C usine-c.com 514.521.4493 Billets : 35,32$ / 30 ans et moins : 26,24$ Laurie Anderson's Delusion, photo by Leland Brewster If the world is going to end, Laurie Anderson might as well be your travelling companion. That’s at least how she made me feel last night at the Montreal premiere of her show Delusion. Though the many stories she tells over the 90 minutes the show lasts might at first appear eclectic, a sense of the end of the world pervades all of them, or at the very least the end of life. Ends even, for as she points out, from the moment we come into this world, we are destined for multiple deaths. The scenography is simple, even basic, but effective. A rock-like structure in the middle of the stage acts as a screen for smaller grey rocks that constantly mutate in watery ripples. On the screen at the back, the largest of four, a small wooden frame appears within which, appropriately, leaves fall. This is not only coincidental; as we will find out, Delusion takes place within a perpetual, rainy autumn. The Great Flood. On either side, two smaller screens. The one on the left, like the blank pages of an open book; on the right, rippled like the bed sheet of an unmade bed. The latter is also the first image to appear on them, sheets of a peachy skin colour. Unlike Anderson’s recorded material, highly cerebral, the music she creates for the show is surprisingly cinematic, sometimes even downright emotional. As she takes on a deep electronically modified male voice, her mysterious synth composition is reminiscent of Angelo Badalamenti’s score for Twin Peaks. It is just as probable that things might turn out to be gloomy or funny. The darkness of the candle-lit room, the smoke that fills the screens as well as the stage itself, visible in the narrow strips of light, and the red curtains on video all facilitate the comparisons to David Lynch, as cliché as those might be. The incessant music cradles the audience from left to right, allowing them to comfortably settle into the slow and hypnotic show. From early on, Anderson commands a certain reverence. There is indeed something mythic about her. She is as comfortable on stage as any performer I have ever seen. She playfully interacts with the projection, swaying her foot in front of the projector beam so that its shadow appears to be treading the video ground. And, as if her stage presence wasn’t enough, she is also a gifted storyteller. Even when Anderson tackles such serious issues as colonialism or the consequences of rampant capitalism in America, she manages to do it with lightness and humour, never forgetting the ultimate absurdity of life. And, therefore, of death too. So, if this is indeed the end of the world, we can be thankful that there is Anderson’s voice to put everything back into perspective, to make us laugh and reassure us. Delusion October 4-6 at 8pm Usine C http://usine-c.com/ 514.521.4493 Tickets: 40$ / Under 31 years old: 30$ Des chaises, des boîtes, des sacs, des vêtements, une table. Les onze interprètes de Pororoca les lancent tous et courent vers les objets en chute pour s’immerger dans le dégât. La chorégraphe brésilienne Lia Rodrigues n’a pas peur du chaos; elle l’embrasse. Pour la majorité de la première partie du spectacle, les danseurs forment une ligne verticale au centre de la scène, une configuration inhabituelle. Cette ligne est loin d’être droite, par contre, le mouvement des interprètes étant tout aussi cacophonique que celui de ces objets lancés et abandonnés à la gravité. Lorsqu’ils agissent indépendamment, le mouvement est si excessif qu’il en est presque incontrôlable. Toutefois, dans les duos, il est clair que la précision est de mise puisque les mouvements de chacun corroborent avec ceux de leur partenaire. Tous figent instantanément. Le calme est un choix. Et le chaos revient tel une vague qui n’en finit plus de vaguer au milieu de la scène. On jappe comme des chiens, on utilise nos bras comme des armes à feu, on se tape dessus, on se tire les cheveux, on baisse nos culottes, et ça c’est quand un sein ne sort pas de son chandail de lui-même. Les danseurs s’adonnent à des va-et-vient au sol comme s’ils baisaient, même si les parties du corps en contact ne concordent pas. Dégustation de fruit postcoïtale, temps de communion et de repos. On enlève son chandail et l’utilise pour essuyer la sueur qui couvre le corps. Retour à la cacophonie, mais cette fois tout en lenteur. Le chaos n’est pas une question de vitesse. Il est tout aussi probable pour les interactions qui en résultent d’être violentes que tendres. On s’embrasse tout autant qu’on se bagarre. Comme dans la vraie vie, quoi. À quatre pattes, tête à tête, les bêtes se reposent. Le troupeau avance ensuite lentement, chacun devenant tour à tour animal et cowboy. Une anxiété se dégage de cette vision de l’homme comme animal, victime impuissante du chaos interne et externe. Avec cette thématique, Pororoca n’est pas s’en rappeler Projet de recherche de Marie-Julie Asselin, Singular Sensation de Yasmine Godder, et Golpe de Tammy Forsythe. Toutes ces pièces se sont immiscées dans mes tops 10 de l’année, alors il ne serait pas surprenant que Pororoca en fasse autant, et ce même si on ne peut pas dire que le spectacle offre une expérience particulièrement plaisante. Mais il fait mieux : il a des préoccupations et des convictions auxquelles il s’abandonne complètement. Ses quêtes font que la danse épouse plus souvent les formes d’une activité collective (pour ses interprètes) que celles d’une présentation théâtrale. Nous cessons d'être des spectateurs. Nous devenons des témoins. Pororoca 28-30 mai à 19h Usine C www.fta.qc.ca 514.844.3822 Billets : 38$ / 30 ans et moins, 65 ans et plus : 32$ Ceux qui voient la danse comme un sport ont raison de se réjouir cette semaine. La jeune compagnie de Vancouver The 605 Collective est en ville. Les cinq interprètes de leur tout dernier spectacle, AUDIBLE, font dans la vitesse et renforce l’idée du danseur comme athlète. Roulements au sol desquels on se relève rapidement, pivotements dans les airs, lancements au sol; tout est fait pour impressionner le spectateur… mais à un seul niveau. À pousser dans cette direction, The 605 Collective réussit à faire certaines trouvailles côté mouvement. Il y a cette entrée en scène dramatique, les cinq danseurs propulsés hors des coulisses. Il y a ce pied placé sous l’estomac du partenaire qui semble soulever son corps entier. Il y a cette menace de lancement au sol lorsqu’un danseur soulève un autre, mais où la victime dans sa descente abrupte demeure tout à coup figée dans les airs (en fait sur les cuisses de son agresseur). AUDIBLE a plusieurs qualités. Le choix de costume de départ, des complets, a pour effet d’activer le corps urbain – que l’on est plus probable d’imaginer assis devant un ordinateur. Les relations entre les cinq danseurs (trois hommes, deux femmes) sont d’égal à égal et non définies par le genre. Avec une forte dose de dynamisme, on fait aussi une très bonne utilisation de l’espace. Il y a au moins autant de défauts. On pourrait démontrer plus de créativité côté éclairage. L’humour est naïf. La structure est rudimentaire : on commence en grand, ça se calme dans le milieu, et on revient (du moins on tente) en trombe pour la finale. Ça donne l’impression qu’on a essayé de cacher le moins bon dans le milieu, une décision stratégique, mais il aurait quand même été plus sage de s’en débarrasser complètement. Quant à ceux qui aiment leur danse avec un peu plus d’esprit, ils s’en trouveront déçus. Même l’œil peut se tanner quand le cerveau n’est pas tout autant stimulé. AUDIBLE, c’est de la danse pop corn… Ça saute partout, après trois poignées on n’en veut plus, et quinze minutes plus tard on a encore faim. AUDIBLE 19-23 avril à 20h Usine C www.usine-c.com 514.521.4493 Billets : 29$ / 30 ans et moins : 22$ |
Sylvain Verstricht
has an MA in Film Studies and works in contemporary dance. His fiction has appeared in Headlight Anthology, Cactus Heart, and Birkensnake. s.verstricht [at] gmail [dot] com Categories
All
|